Qui a inventé la musique ? Selon toute probabilité, la musique a joué un rôle important dans le cycle de vie des humains peut-être même avant que nous puissions parler. Des preuves significatives ont été découvertes que l’homme très tôt a développé des flûtes primitives à partir d’os d’animaux et a utilisé des pierres et du bois comme percussion.
La voix aurait été le premier et le plus naturel moyen d’expression chez nos lointains ancêtres, utilisé pour créer des liens sociaux ou réconforter un enfant sans sommeil. C’est à partir de ces humbles débuts que la musique que nous apprécions aujourd’hui a évolué.
Au fur et à mesure que nous avançons dans l’histoire de la musique, nous trouvons de plus en plus de preuves de son rôle clé dans les contextes sacrés et profanes, bien que la division en ces catégories n’ait été définie de cette manière que de nombreuses années plus tard.
Histoire de la musique
Les influences d’ouest en est se sont fondues dans la musique préchrétienne des Grecs et plus tard des Romains. Les pratiques et conventions musicales peut-être véhiculées par les musiciens itinérants ont apporté une richesse de diversité et d’invention.
La notation grecque survivante de cette période de l’histoire musicale a donné aux scientifiques et aux musicologues un indice vital sur la façon dont la musique de l’époque aurait pu sonner. Cela indique certainement des liens remarquables avec la musique qui allait suivre, peut-être plus particulièrement à travers l’utilisation de la modalité dans la musique grecque.
Dans les fresques et dans certains récits écrits, y compris la Bible, nous avons découvert les instruments qui figuraient à l’époque romaine et grecque et leur importance pour les cultures. La trompette comme instrument d’annonce et de cérémonie splendide, ou la lyre comme acteur à part entière dans les chants des poètes. On y voit donc plus clair sur qui a inventé la musique. Ce n’est pas un Grec qui a inventé la musique.
Dans toute l’Europe depuis le début du premier siècle, les monastères et les abbayes sont devenus les lieux où la musique s’est ancrée dans la vie de ceux qui sont dévoués à Dieu et de leurs disciples.
Le christianisme s’était imposé et avec lui une nouvelle liturgie qui exigeait une nouvelle musique. Bien que la musique chrétienne primitive ait ses racines dans les pratiques et les croyances du peuple hébreu, ce qui en est ressorti allait devenir la base de la musique sacrée pour les siècles à venir. Les chants qui ont été composés suivaient dévotement les textes latins sacrés d’une manière étroitement contrôlée et donnée uniquement à la gloire de Dieu. La musique était très soumise aux paroles, sans fioriture ni frivolité.
C’est le pape Grégoire (540-604 après JC), qui est crédité d’avoir fait avancer les progrès de la musique sacrée et d’avoir développé ce qu’on appelle maintenant le chant grégorien, caractérisé par le son obsédant de la quinte ouverte et parfaite.
Une certaine controverse entoure cette affirmation, mais le nom est resté et la musique reste distincte et d’une importance vitale alors qu’elle s’éloigne du plain-chant vers la polyphonie. Ceci, à son tour, revenait à des temps et des coutumes antérieurs, en particulier dans la musique du peuple juif où l’idée d’un drone statique sous-tendait généralement une deuxième ligne vocale. ce n’est donc pas un romain qui a inventé la musique.
Période médiévale
Est ce un seigneur qui a inventé la musique ? Au fur et à mesure que nous avançons dans le temps musical, nous commençons à entrer dans la période musicale médiévale qui peut être généralement convenue pour couvrir la période allant d’environ 500 après JC jusqu’au milieu du XVe siècle. À cette époque, la musique était un art dominant dans les tavernes aux cathédrales, pratiquée par les rois comme par les pauvres. C’est au cours de cette longue période de musique que le son de la musique devient de plus en plus familier. Cela est dû en partie au développement de la notation musicale, dont une grande partie a survécu, qui nous permet de revenir sur cette époque fascinante. Ce n’est pas un chevalier qui a inventé la musique.
À partir de la musique écrite qui survit des monastères et d’autres récits importants de pratiques musicales, il est possible d’assembler une image d’une culture dynamique qui va du sacré au profane. Tout au long de la période médiévale, la musique a lentement commencé à adopter des structures et des dispositifs de plus en plus élaborés qui ont produit des œuvres d’une beauté et d’une dévotion immenses.
Hildegard Von Bingen et Perotin ont été les pionniers de nombreuses formes musicales que nous reconnaissons encore aujourd’hui, notamment le motet et la messe sacrée. Parallèlement à ces formes importantes est venu le madrigal qui reflète souvent les humeurs et les sentiments des gens de l’époque. Sa forme merveilleusement polyphonique est à la fois fascinante et délicieuse.
Période Renaissance
Instruments développés en accord avec l’imagination du compositeur. Une gamme complète d’instruments à vent, cuivres et percussions accompagnait la musique médiévale, même si c’est toujours la voix humaine qui domine de nombreuses compositions. Vers la fin de la haute période médiévale, on assiste à l’émergence de pièces instrumentales à part entière qui à leur tour ouvrent la voie à de nombreuses formes musicales dans la période suivante : La Renaissance.
Avant de quitter cette période de la musique, il est important de mentionner les Troubadours et les Trouvères. Ces conteurs et musiciens itinérants ont parcouru de vastes distances lors de leurs voyages à travers l’Europe et plus loin en Asie. Ils ont raconté des histoires, chantées des ballades et peut-être plus important encore, apporté avec eux des influences venues de loin qui se sont harmonieusement mélangées aux cultures musicales occidentales.
La Renaissance (1450 – 1600) a été une période dorée dans l’histoire de la musique. Libérés des contraintes des conventions musicales médiévales, les compositeurs de la Renaissance ont tracé une nouvelle voie. Josquin des Prez est considéré comme l’un des premiers compositeurs de la Renaissance à être un grand maître du style polyphonique, combinant souvent plusieurs voix pour créer des textures musicales élaborées.
Plus tard, Palestrina, Thomas Tallis et William Byrd s’appuient sur les idées de des Pres pour composer certains des plus étonnants motets, messes, chansons et œuvres instrumentales à part entière. La modalité était fermement établie comme base de toute harmonie, et bien que des règles strictes régissent l’utilisation de la dissonance, les qualités expressives de la musique de la Renaissance sont pratiquement inégalées.
Au fur et à mesure que les pièces instrumentales sont acceptées dans le répertoire, nous constatons que le développement d’instruments comme le basson et le trombone donne lieu à des groupements instrumentaux plus vastes et plus élaborés.
Cela a donné aux compositeurs beaucoup plus de latitude pour explorer et exprimer leurs idées créatives qu’auparavant. La famille des violes s’est développée pour donner une qualité très particulière et hantée à une grande partie de la musique de l’époque parallèlement à l’établissement de chaque famille reconnaissable d’instruments comprenant les percussions, les cordes, les bois et les cuivres.
Les instruments à clavier sont également devenus de plus en plus courants et l’avènement de la sonate a suivi en temps voulu. D’autres formes populaires de musique instrumentale comprenaient la toccata, la canzona et le ricercar pour n’en citer que quelques-unes, émanant de la danse courtoise.
Vers la fin de la Renaissance, ce qu’on appelait les modes de l’Église a commencé à se dissoudre au profit de ce qui est maintenant considéré comme une harmonie fonctionnelle ou une tonalité basée sur un système de tonalités plutôt que sur des modes.
Période baroque
Est ce un personnage de l’époque baroque qui a inventé la musique ? La période baroque (1600-1760) abrite certains des compositeurs et des pièces les plus célèbres de la musique classique occidentale. Il voit également certains des développements musicaux et instrumentaux les plus importants. L’Italie, l’Allemagne, l’Angleterre et la France continuent depuis la Renaissance à dominer le paysage musical, chacune influençant l’autre avec des conventions et un style.
Parmi les nombreux compositeurs célèbres de l’époque, GF Haendel, Bach, Vivaldi et Purcell fournissent une introduction substantielle à la musique de cette époque. C’est au cours de cette période étincelante que Haendel compose son oratorio “Le Messie”, Vivaldi les “Quatre Saisons”, Bach ses six “Concertos Brandebourgeois” et les “48 Préludes et Fugues”, ainsi que l’opéra de Purcell “Dido et Enée”. .
La musique instrumentale a été composée et jouée en tandem avec des œuvres vocales, chacune d’importance égale dans le baroque. La virtuosité qui a commencé parmi les interprètes d’élite de la Renaissance s’est épanouie dans le baroque. Considérez les Sonates pour clavier de Domenico Scarlatti ou les Concertos que Vivaldi a composés pour ses élèves interprètes. Ceci, à son tour, conduit à des développements instrumentaux importants et, grâce au soutien aristocratique de Catherine Médicis, à la naissance du violon.
Des formes musicales communes ont été établies sur la base des principes des compositeurs de la Renaissance, mais étendues et développées d’une manière qu’elles auraient probablement trouvée inimaginable. La Suite est devenue un favori baroque, comprenant des mouvements lents rapides contrastés comme le Prélude ; Allemande, Gigue, Courante et la Sarabande. Les concertos sont devenus de plus en plus populaires, donnant aux instrumentistes l’occasion de déployer leurs pouvoirs techniques et expressifs.
La musique vocale a continué d’inclure la messe mais maintenant aussi l’oratorio et la cantate aux côtés d’hymnes et de chorals. L’opéra apparaît sérieusement à l’époque baroque et devient une forme musicale établie et un véhicule d’expression et de diversité étonnantes.
De plus en plus, l’harmonie préférée est tonale et le système de tonalités (majeur et mineur), est acceptée au profit de la modalité. Cela lève les limites des modes et offre aux compositeurs la possibilité de créer des pièces toujours plus complexes et expressives qui combinent des textures et des dynamiques polyphoniques passionnantes.
La notation accompagne ces développements et nous constatons régulièrement que l’exactitude des œuvres des compositeurs devient plus précise et détaillée, ce qui nous donne une meilleure possibilité de réaliser leurs intentions dans les interprétations d’aujourd’hui.
Période classique
Un compositeur de classique qui a inventé la musique? Du baroque, nous entrons dans la période classique (1730-1820). Ici, Haydn et Mozart dominent le paysage musical et l’Allemagne et l’Autriche sont au cœur de la création de l’époque. Du baroque orné, les compositeurs de la période classique se sont éloignés du polyphonique vers l’homophonique, écrivant une musique qui était, du moins en surface, simple, épurée et mesurée.
Un développement clé est celui du piano. Le clavecin baroque est remplacé par le piano ancien qui était un instrument plus fiable et expressif. Mozart et Haydn ont chacun écrit un grand nombre d’œuvres pour piano qui ont permis à cet instrument de se développer de manière significative au cours de cette période.
La musique de chambre aux côtés de la musique orchestrale était une caractéristique de l’ère classique avec une attention particulière portée au quatuor à cordes. L’orchestre lui-même était fermement établi et vers la fin de la période a commencé à inclure des clarinettes, des trombones et des timbales.
L’ascension de l’interprète virtuose s’est poursuivie tout au long de cette période musicale, comme en témoignent les nombreux concertos et sonates composés à cette époque. L’opéra a prospéré au cours de ces décennies et est devenu une forme de divertissement musical à part entière qui s’est étendue bien au-delà des rêves des compositeurs baroques.
Période romantique
Est-ce la romance qui a intenté la musique? À la fin de l’ère classique, Beethoven est le compositeur le plus remarquable qui a apporté une contribution aussi importante au passage à l ère romantique (1780 – 1880). L’immense génie de Beethoven a façonné les décennies suivantes avec sa redéfinition substantielle de nombreuses conventions musicales établies de l’ère classique. Son travail sur la forme sonate dans ses concertos, symphonies, quatuors à cordes et sonates, est presque inégalé par tout autre compositeur.
L’ère romantique a vu d’énormes développements dans la qualité et la gamme de nombreux instruments qui ont naturellement encouragé une musique toujours plus expressive et diversifiée de la part des compositeurs. Des formes musicales comme l’orchestre romantique sont devenues de vastes paysages où les compositeurs ont laissé libre cours à leurs émotions et à leurs rêves les plus profonds.
Berlioz dans sa « Symphonie Fantastique » en est un bel exemple, ou plus tard Wagner dans ses immenses opéras. Les symphonies de Gustav Mahler se dressent comme des piliers de pierre de réalisation à la fin de la période romantique aux côtés des poèmes symphoniques de Richard Strauss. La période romantique nous présente un vaste éventail de musiques riches qui ne commencent à s’estomper que vers la fin du XIXe siècle.
Il est difficile d’imaginer ce qui pourrait suivre une période aussi triomphante et héroïque dans l’histoire de la musique, mais à mesure que nous avançons dans le 20 e siècle, le paysage musical prend une tournure dramatique. Les échos de l’ère romantique traversent encore le siècle prochain dans les œuvres d’Elgar, de Chostakovitch et d’Arthur Bliss, mais c’est la musique de France dont nous avons le titre l’impressionnisme qui scintille dans nos consciences musicales.
Debussy et Ravel sont les principaux représentants de ce mouvement coloré parallèle à l’œuvre de Monet et Manet. Ce que nous entendons dans la musique des impressionnistes renvoie à de nombreuses formes populaires du baroque, mais d’une manière que Bach n’aurait probablement pas prévue. Le système tonal se transforme pour inclure une gamme plus large d’échelles et d’influences de l’Orient permettant aux compositeurs d’écrire certaines des œuvres les plus étonnantes jamais entendues.
Ravel et Debussy ont tous deux beaucoup composé pour le piano en s’inspirant de la poésie. Leurs œuvres orchestrales comptent parmi les pièces les plus belles et les plus évocatrices jamais écrites.
Parallèlement, le monde teutonique a commencé à subir sa propre révolution sous la forme de la deuxième école viennoise, dirigée par Arnold Schoenberg. Désillusionné par les limites de la tonalité, Schoenberg a rejeté le système tonal au profit d’un nouveau système sériel dodécaphonique donnant à chaque pas de l’échelle chromatique une validité musicale égale. Le résultat était une musique sérielle qui était complètement atonale et a transformé le paysage musical presque au-delà de tout ce qui s’était passé auparavant. Vous savez maintenant que ce n’est pas une personne qui a inventé la musique mais elle date plutôt d’une époque ancestrale.
